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24/05, às 18h- Abertura do FotoRio

18h – Apresentação da segunda parte do festival com a participação dos representantes do patrocinador e da rede

18h15 – Apresentação das exposições Lambe-lambe de Graciela Iturbide e Anderson Valentin e entrevista com os autores

CÂMBIO DE PARADIGMA

Um giro no Brasil

14 de agosto - 13 de setembro

Querido Henri Cartier-Bresson, o paradigma na fotografia artística contemporânea passou por uma mudança notável. Embora seu foco no “instante decisivo” ainda ressoe, a tecnologia digital desafiou os limites técnicos, permitindo uma expressão que vai além do momento capturado. A narrativa visual hoje se orienta por conceitos e experiências, e a fotografia móvel democratizou a criação e a apreciação das imagens. A manipulação digital, antes questionada, passou a ser integrada como uma forma legítima de expressão artística, alterando a relação entre verdade e representação. A fusão de linguagens — como a integração da fotografia em instalações multimídia — redefine as fronteiras da criatividade. Essa mudança, que respeita o seu legado, expande a arte fotográfica para territórios novos e desafiadores, onde a visão continua essencial, mas as possibilidades se tornaram infinitas.

Texto teórico gerado por Chat GPT [Instrução] Se você pudesse conversar com Henri Cartier-Bresson, como explicaria em 150 palavras o que representa uma mudança de paradigma na fotografia artística contemporânea?

As mudanças de paradigma na arte geralmente acompanham transformações sociais, culturais, políticas e tecnológicas na sociedade. A fotografia, em especial, passou por mudanças profundas nas últimas décadas. A incorporação de câmeras digitais aos dispositivos de consumo e os processos de globalização da informação na era da internet tornaram a fotografia uma forma de expressão quase universal.

À medida que deixou de ser uma linguagem de difícil acesso, a produção artística passou a incluir vozes de grupos historicamente silenciados, que até menos de três décadas atrás quase não tinham visibilidade. As desigualdades também se manifestam de forma particularmente acentuada nesse campo, assim como a necessidade de representar o mundo por olhares não ocidentais.

Esta exposição surge como um contraponto necessário às visões hegemônicas e propõe inverter a lógica segundo a qual certos grupos de pessoas são sistematicamente representados por outros: os homens fotografam as mulheres, os ocidentais retratam o resto do mundo.

A exposição “CÂMBIO  DE PARADIGMA- Um giro no Brasil “ propõe um discurso inclusivo e transnacional, fruto do diálogo entre dois contextos geográficos e culturais: Espanha e Brasil. Nesse sentido, o projeto se vincula ao conceito de giro no Brasil, compreendido como um deslocamento crítico, uma abertura ao outro e uma transformação dos marcos de pensamento, gerando um espaço de encontro e ressonância entre diferentes olhares.

Esse giro não é apenas geográfico ou simbólico, mas também epistêmico, estético e político: implica desestabilizar narrativas dominantes, questionar quem olha e quem é olhado, e abrir-se a saberes, corpos e imaginários antes excluídos. Trata-se de um gesto que interpela o cânone, remexe o pensamento hegemônico e reivindica outras formas de ver, sentir e narrar o mundo.

Nesse movimento, a exposição se configura como um espaço de escuta e reverberação, onde podem emergir novas possibilidades de relação e imaginação.

Sob a curadoria compartilhada de Marta Soul e Ângela Berlinde, a mostra reúne seis artistas espanhóis e quatro brasileiros, além de uma artista local convidada especialmente para esta edição no Rio de Janeiro.

A exposição se estrutura em torno dos seguintes eixos temáticos:

Estruturas políticas dominantes, soberania e capitalismo
A raça não existe. Justiça para o indivíduo e para a sociedade
Gênero, identidade e autorrepresentação
Tecnologia: ideal e medo do progresso

Ecologia, plantas e animais. Justiça climática e formas de habitar a Terra

O conjunto das obras propõe uma transformação na forma de compreender a fotografia, assim como nas maneiras de concebê-la, produzi-la e valorizá-la na contemporaneidade.

Agnes Essonti Luque

esslu003@gmail.com / www.essonti.com

Agnes Essonti Luque es una artista camerunesa-española cuya práctica se inspira en pensadores feministas negros y postcoloniales, junto con temas de conexión ancestral, sus recuerdos de infancia y la nostalgia. Estudió fotografía en Londres y Madrid, aunque su trabajo multidisciplinar abarca el vídeo, la performance, las instalaciones y mucho más. En los últimos años, se han centrado en la construcción de identidades afrodiaspóricas, especialmente en el contexto español, explorando procesos de simbiosis, hibridación y pidginización. Concibe su trabajo como un medio para reimaginar tanto momentos históricos como sus recuerdos más personales.

Su trabajo ha sido expuesto internacionalmente en países como Mali, Egipto, Guinea Ecuatorial, Senegal, Sudáfrica, Costa Rica, Estados Unidos, Italia, Inglaterra, Alemania y Francia. En 2023 participó en FOODSCAPES, el Pabellón de España en la XVIII Bienal de Arquitectura de Venecia. Sus performances se han representado en instituciones como el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, el Museo Reina Sofía, el Centro Atlántico de Arte Moderno. 

Cristina Galán

(1992 / Madrid)

Es una artista visual que trabaja principalmente con fotografía y vídeo. Su obra explora la subversión de la identidad y la aparición de lo siniestro bajo la superficie visualmente pulida de la realidad, reflexionando sobre la búsqueda de la identidad individual a través de la identidad colectiva. Galán construye en cada proyecto un universo con códigos y símbolos propios donde todo lo que está ahí esta para ser visto. Su trabajo se completa con obras cinemátográficas como A nadie le importas, presentada en el festival de Málaga 2025.

La obra de Galán ha sido expuesta en Festivales y centros de arte como Teatro Canal, Salavde Arte joven, Festival F2, Dortmund, Alemania, siendo imagen del propio festival / CEART (Centro de Arte Tomás y Valiente), Madrid, España / ProyectArte 19, Sevilla, España /

Athens Photo Festival, Atenas, Grecia / XVI Bienal internacional de fotografía de Córdoba, España / 2018 Muestra de Arte Joven, La Rioja, España. También fue seleccionada en ViPhoto Fest, Vitoria, España / Encontros da imagen, Premios Discovery y Emergentes, Braga, Portugal / Fotonoche, Centro de Arte Alcobendas (CAA), Madrid, España. En 2018 PAUL recibió el Premio de Plata en la categoría Fine- Art-Portrait en TIFA . Tokio, Japón. Paul también fue publicado en los cuadernos de fotografía Pewen (editorial Muga) #38 yen la Revista VA! #4.

Esteban Pastorino

(1992 / Madrid)

Esteban Pastorino (Buenos Aires, 1972), es Técnico Mecánico (ENET nº 1 Otto Krause) estudió ingeniería mecánica en la Universidad de Buenos Aires por 3 años para luego dedicarse completamente a la fotografía. Realizó residencias en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten, Ámsterdam y en Casa de Velázquez, Madrid, Centro de Fotografía de Skopelos, Grecia y Fiskars AIR, Finlandia. Ha expuesto en forma individual en distintos países de América y Europa.  Entre los reconocimientos que ha recibido se encuentran el premio al fotógrafo del año 2001 (Asociación Argentina de Críticos de Arte), Gran Premio Adquisición Salón Nacional 2017, Premio Leonardo – Fotografía, Premios Fundación Konex 2012 y 2022,  y las becas UNESCO, Fundación Antorchas y Fondo Nacional de las Artes. 

Sus obras se encuentran en las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes(AR), Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires; Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Museum of Fine Arts, Houston, El Museo del Barrio, NY, Kiyosato Museum of Photographic Arts, Japon, Museun of Fine Arts, Boston, entre otros; y  fueron reproducidas en Vitamin PH (Phaidon Press), Why It Does Not Have To Be In Focus (Thames & Hudson) y en Aperture magazine.

Ha publicado los libros “Salamone” (editorial Photogramas) y Fotografías (ediciones Larrivière).

Megane Mercury

Megane Mercury es un artista multidisciplinar de raíces ecuatoguineanas afincado en Madrid, que utiliza las artes visuales como principal medio de expresión. Su trabajo explora las identidades disidentes, la cotidianidad, el documental y todo aquello que despierte su placer visual o curiosidad.

En 2021, fue invitado por Lua Ribeira a participar en un Live Lab para PHotoESPAÑA, compartiendo espacio con artistas como Antoine d’Agata y Ricardo Cases.

En 2022, Megane estrenó su primer cortometraje documental, Mis Amigas, realizado tras ser seleccionado como ganador de la primera edición del ‘Queer Creative Fund’ impulsado por Polyester Zine y Monki. El filme se presentó en el Nahia Film Fest de Granada y formó parte de la selección oficial de diversos festivales internacionales.

Además, Megane ha desarrollado residencias artísticas, como la realizada en La Escocesa en colaboración con Matadero Madrid en 2023, y ha participado en eventos de relevancia internacional como las Bienales de Venecia y Dakar.

Toya Legido

toyalegido@yahoo.es / https://toyalegido.com

Toya Legido, Albacete 1968, Catedrática en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, doctora en Bellas Artes (2001) y máster en Fotografía por el IED de Milán. Ha sido Secretaria Académica del Departamento de Diseño e Imagen, Directora del grupo de investigación Arte, Ciencia y Naturaleza, y es miembro de ANECA.

Desde 2005 es miembro de grupos de investigación vinculados al arte y la naturaleza, con los que ha realizado proyectos como la comisariado de exposiciones como Women illustrating botany. Art, science and genderImagined Herbariums. Between art and science o Zoologies. También ha dirigido la sección de zoología del Parque Madrid Río: Faunia, o el diseño de libros como Ware Houses of life. Germplasm banks seen from art.

Su trabajo durante más de 15 años pone en valor la botánica y la entomología como elementos esenciales del arte; en sus obras nos hace ver que las creaciones de la naturaleza son insuperables. Todas sus obras, a través de la bioinspiración, nos hacen conscientes de la necesidad de conservar la flora y la fauna. Sus exposiciones incluyen: Wonder en el Centro de Arte y Naturaleza CDAN de Huesca 2023; Naturalia and Artificialia en el Castillo de Santa Catalina en Cádiz 2021; Secret Botany en la Casa de las Ciencias de Logroño 2019; Herbaria en la Fundación Cristina Enea de San Sebastián 2021 y Transgenics en el Colegio de España en París 2011. Imaginary Gardens en la Galería Sobering de París 2020; Art al Jardí en el Jardín Botánico de Valencia 2017 o Ars Herbaria en el Jardín Botánico de Madrid 2015.

Desde 1995 ha trabajado como fotógrafa profesional, junto a Tomás Zarza, para diferentes empresas, revistas y estudios de diseño, entre otros: S.M. Editorial, Edicomunicare, Gatic, Luciolé, Arquimea, Canal Cocina, Getty Image Bank, Marie Claire, Editoriale Domus, Persan, Gamesa, Aena, Manuel Estrada Design, ICEX (Instituto de Comercio Exterior), entre otros.



Yun Ping

(Hubei, China, 1998)

Yun Ping (Hubei, China, 1998) es un artista visual, fotógrafo y performer radicado en Madrid. Fue adoptado en China a los dos años y creció en Euskadi, donde comenzó su relación con la fotografía durante la adolescencia, inicialmente a través de autorretratos y retratos de amigos que compartía en redes sociales. A los 20 años se trasladó a Madrid para profundizar en su formación y práctica artística, enfocándose en la exploración de la identidad mediante la imagen fotográfica y el cuerpo.

Su trabajo se caracteriza por la autorrepresentación de personas queer y racializadas, abordando temas como la transición de género, la búsqueda identitaria y el sentimiento de pertenencia. Yun Ping utiliza la fotografía y la performance para documentar su propio proceso de transición como hombre trans y persona adoptada, especialmente en su serie más reconocida, 回家 (huí jiā), que significa “Volver a casa”. En este proyecto, explora la evolución física y emocional de su tránsito, así como cuestiones de desarraigo, soledad y autoconocimiento.

Ha expuesto en ciudades como Madrid, Sevilla, Barcelona, Galicia y Brasil, en espacios como Matadero Madrid, Sala Arte Joven y el Museo Nacional de Antropología. Además, imparte talleres de fotografía para comunidades LGTBQ+ y BIPOC.

Yun Ping entiende la fotografía como un proceso performativo y vulnerable, donde el espectador es invitado a reflexionar sobre el paso del tiempo, el deseo, la sexualidad y la construcción de la identidad. Su obra busca romper con la falta de representación de cuerpos como el suyo y reivindica la importancia del autorretrato como herramienta de libertad y autoafirmación

Betina Polaroid

(Brasil)

Fotógrafa e artista drag, Betina Polaroid constrói uma simbiose instigante entre imagem e performance, fundindo linguagens analógicas, digitais e intervenções manuais. A personagem nasce da trajetória de Beto Pêgo — fotógrafo com quase duas décadas de experiência no campo editorial e publicitário — e surge em 2015 na cena queer brasileira como integrante do coletivo Drag-se, expandindo a fotografia para além do retrato e do palco. Sua prática mescla projeções, narrativas autobiográficas e o corpo em transformação como elemento performativo. Com passagens por galerias e festivais no Rio de Janeiro, São Paulo, Minas Gerais e Pará, Betina realizou sua primeira exposição individual, Espelhos, em 2019, e levou seu trabalho ao Anarchist Art Festival, em Nova York. Sua obra questiona os limites entre o documental e a invenção de identidades visuais insurgentes.

Bonikta

(Ourém, Pará, 1995)

Caio Aguiar, conhecido como Bonikta, é um artista multidisciplinar cuja obra invoca universos “enkantados”, entrelaçando pintura, fotografia, grafite, vídeo, ilustração, animação e máscaras. Estudante do Bacharelado Interdisciplinar em Artes na UFSB, Bonikta dá vida a seres híbridos que atravessam o interior e a cidade, a rua e a floresta, criando fabulações visuais que ressoam com cosmovisões amazônicas e memórias de infância. Participou da primeira edição da Bienal das Amazônias e da exposição Delírio Tropical, na Pinacoteca do Ceará. Em 2025, integrará a 14ª Bienal do Mercosul. Vive e trabalha em Belém, onde transforma o fazer artístico em ato de encantamento e resistência.

Denilson Baniwa

(Brasil, 1984)

Artista, curador e ativista da nação Baniwa, Denilson Baniwa estrutura sua obra como um gesto contínuo de insurgência frente aos apagamentos coloniais na história oficial do Brasil. Seu trabalho propõe uma arqueologia afetiva e política das presenças e ausências indígenas, ao mesmo tempo em que projeta sistemas alternativos de conhecimento inspirados nas cosmologias e práticas artísticas ancestrais. Por meio de instalações, performances e mídias híbridas, constrói um banco de dados simbólico que afirma o direito à existência e à memória. Sua produção convoca a arte como território de cura, invenção e reexistência.

Masina Pinheiro e Gal Cipreste

(Brasil)

A dupla formada por Masina Pinheiro (n. 1987) e Gal Cipreste (n. 1998) atua entre a fotografia, o cinema, a escultura e a educação, desenvolvendo uma prática visual poética e politicamente engajada com as dissidências de gênero e sexualidade no Brasil contemporâneo. Baseadas no Rio de Janeiro, investigam as visualidades LGBTIAPN+ e as potências da autobiografia queer, através de retratos, esculturas performáticas, arquivos íntimos e ações para a câmera. A justaposição entre poesia e documento é central em sua obra, que recusa a dor como única gramática possível e aposta no imaginário como forma de reinvenção de infâncias, desejos e liberdades. Reconhecidas internacionalmente, venceram o PhMuseum Photo Grant (2021) e foram finalistas do Louis Roederer Discovery Award no Rencontres d’Arles (2022). Expuseram na Europa, Ásia e América Latina.

Shinji Nagabe

(Brasil, 1975)

Artista brasileiro de ascendência japonesa, Shinji Nagabe vive na Europa desde 2014, onde desenvolve uma obra profundamente marcada pela migração, pelo hibridismo cultural e pela busca de pertencimento. Sua prática surge na interseção entre fotografia, jornalismo e experimentação com materiais acessíveis e industriais, convertendo-os em elementos poéticos. A investigação estética e identitária de Shinji revela as rupturas e reinvenções do sujeito migrante, atravessado por culturas diversas e pelo desejo de reconciliação entre heranças díspares. Com sensibilidade crítica, sua obra propõe uma poética do deslocamento e convida à reflexão sobre os paradoxos da identidade na contemporaneidade global.

09 setembro 2025

FotoRio no Centro Cultural Justiça Federal

Dia inteiro