Vestígios | Resquícios do que fomos, parte do que somos, indícios do que imaginamos ser... O trabalho tenta mostrar os vestígios que estão espalhados a nossa volta, quando o observador é convidado a percorrer as esquinas e recantos da cidade, como um caleidoscópio de imagens. São sentimentos, marcas de pobreza, da solidão e da nostalgia, o rastro que evidencia a ausência de luz por onde passa, mostrando a leveza de suas sombras, um vislumbre do arbítrio de liberdade entre ela e o objeto que a criara.

Um jeito carioca de ser | O comportamento do carioca dos nossos dias. O carioca que trabalha, ri, sofre e ama vai sendo mostrado através de cenas do cotidiano que retratam a coexistência pacífica entre seus moradores. Os personagens são moradores anônimos da cidade, com sua irreverência e maneira de viver; seja na praia, na área urbana central ou em pontos turísticos tradicionais, na cerveja da sexta-feira no meio da calçada, no trabalho ou mesmo no ônibus do fim do dia.

A exposição do fotógrafo italiano Virgilio Calegari - Um Cavaliere entre dois mundos, concebida e coordenada por Milton Guran, faz parte da homenagem do FotoRio à Itália, que este ano celebra os 150 anos de sua unidade nacional. Com curadoria de Sinara Sandri e produção de Fernanda Chemale, Virgilio Calegari - Um Cavaliere entre dois mundos reúne 20 imagens em reproduções digitais sobre a sociedade e a vida urbana da capital gaúcha durante a virada do século XIX para o século XX.

Esse conjunto está organizado em três partes: Retratos, verdadeiro inventário visual da sociedade da época; A Cidade, registro das grandes transformações que fizeram de Porto Alegre uma capital moderna e republicana e O Cronista, panorama dos usos e costumes dos principais acontecimentos da vida social da capital gaúcha. Esta é a primeira vez que a obra de Virgilio Calegari é mostrada no Rio de Janeiro, incluindo uma imagem até hoje inédita, o expressivo retrato da Família Ely.

O acervo desta exposição de Virgilio Calegari pertence à Fototeca Sioma Breitman (Museu de Porto Alegre Joaquim José Felizardo / Prefeitura Municipal de Porto Alegre) e ao Arquivo Histórico do Rio Grande do Sul.

O fotógrafo

Virgilio Calegari nasceu em 1868, na cidade de Bérgamo, norte da Itália. Em 1881, a família imigrou para o Brasil. Diferente de boa parte da comunidade italiana, os homens da família Calegari não se tornaram agricultores. Batista, Gualtiero e Guilherme trabalharam como cenógrafos, atores e pintores e tiveram destaque na confecção de fundos paisagísticos utilizados em ateliês fotográficos. Júlio, o caçula, aprendeu o ofício aos 18 anos trabalhando como ajudante do irmão, naquela altura um profissional consagrado na capital.

No começo da carreira, Virgilio Calegari trabalhou como ajudante de fotógrafo, iniciou estudos com o fotógrafo espanhol João Antônio Iglesias; depois atuou como operador de estúdio do fotógrafo-alemão Otto Schöwald. A partir de 1893 montou seu próprio estúdio passando a atuar como profissional independente até sua morte, no ano de 1937.

No início do século XX, Virgílio Calegari era o principal fotógrafo da capital gaúcha. Fotografou políticos, artistas, famílias ilustres e gente do povo com extrema cumplicidade, muito longe de uma intenção classificatória ou de um olhar sobre o exótico. Publicou álbuns comemorativos, vistas e cartões-postais, mas esteve atento à cidade que desaparecia sob a ordem da adesão à modernidade. Pelo destaque e notoriedade da sua produção artística, Virgílo Calegari foi feito Cavaliere pelo Rei Victor Emanuel, em reconhecimento ao valor que, em terras brasileiras, conferiu à cultura italiana.
 

Com cerca de 10 mil negativos e reproduções, o Acervo Wolney Teixeira tem seus tesouros revelados pela primeira vez ao público do Rio de Janeiro. Foram escolhidas 50 imagens em grandes ampliações que exibem a beleza de uma Cabo Frio perdida no tempo, com o casario colonial intocado, as igrejas e o convento barrocos, as salinas, barcos a vela e infindáveis praias virgens.

Fotógrafo dos acontecimentos sociais da cidade e do dia a dia de seus moradores, Wolney Teixeira também retratou com obsessão as belezas naturais da Laguna de Araruama e do litoral cabofriense.

Em quase meio século de trabalho, o fotógrafo também foi testemunha da transformação da cidade colonial em balneário turístico, com a chegada dos automóveis, dos banhistas e dos esportes náuticos.

Além de serem documentos únicos da história regional brasileira, as fotografias de Wolney Teixeira são objetos de apreciação artística que só agora pode ser avaliados pelo pública e pela crítica.

Inédita e exclusiva, a exposição é fruto da parceria entre o FOTORIO 2011 e a MEP - Maison Européenne de la Photographie, de Paris, e resultado de um trabalho de garimpo levado a efeito pelos curadores Joana Mazza e Milton Guran em vários países e em diferentes eventos, ao longo dos últimos dois anos. Eu me desdobro em muitos – a autorrepresentação na fotografia contemporânea apresenta 69 obras físicas de sete artistas brasileiros e 14 estrangeiros, dentre os mais importantes autores da vanguarda da fotografia no campo da arte contemporânea no mundo. Complementam a mostra uma seleção de cinco vídeos curtos e interativos, com curadoria de Jean-Luc Monterosso, Diretor da MEP, e ainda a instalação “Estereoscopia” do carioca André Parente.
“Para chegarmos a esse conjunto de obras,”, explicam os curadores “contamos com apoio dos próprios artistas, das galerias e instituições às quais estão ligados. Selecionamos artistas seminais que dialogam no sentido contemporâneo com a autorrepresentação como os brasileiros Alisson Gothz, Helenbar, Luisa Burlamaqui, Fernanda Magalhães, Rodrigo Braga e Sofia Borges, o mexicano Gerardo Montiel Klint, a argentina Tatiana Parcero, o norueguês Bjorn Sterri e uma série de artistas europeus e norte-americanos da coleção da Maison Européenne de la Photographie, de Paris. São eles: Martial Cherrier, Gilbert & Georg, Robert Mapplethorpe, Duane Michals, Pierre Molinier, ORLAN, Philippe Perrin, Pierre & Gilles e Cindy Sherman.”
A exposição tem a autorrepresentação como proposta de realização artística. O retrato talvez seja a face mais importante da fotografia, como o foi para a pintura durante vários séculos. Ele deu um rosto, uma individualidade, para a população que, no senso comum, menciona a palavra “retrato” como sinônimo de fotografia.
Eu me desdobro em muitos – a autorrepresentação na fotografia contemporânea não deixa de tratar do tema retrato, mas vai muito mais além porque coloca no centro da discussão não apenas o autor como motivo, como nos tradicionais autorretratos, mas também como instrumento e elemento catártico de sua própria expressão. “Neste sentido”, contam os curadores “a autorrepresentação coloca-se como uma síntese da tradição do autorretrato da pintura com as modalidades de expressão surgidas ao longo do século passado, como a body art e a performance. A fotografia e o vídeo têm sido instrumento fundamental para a apresentação destes corpos-objetos”.

 VÍDEOS:
"O DIÁRIO DE ALICE ANDERSON", de Alice Anderson, Grã-Bretanha (2004 ¬ 2005; 3 min.) Série de vídeos curtos e evocativos, como a poesia hai-kai japonesa, feitos a partir de cenas da sua vida cotidiana.
"DÉSIR", da série Œdésirs, de Isabelle Lévénez, França (2004; 1 min. 34 sec. em looping) A artista se coloca em cena a partir de fragmentos do seu corpo em uma banheira, numa versão moderna de Ofélia, o personagem de Shakespeare que se afoga.
"FLY OR DIE", de Martial Cherrier (França) (2008; 44 seg.) Campeão francês de fisiculturismo (bodybuilding) em 1997, o autor é também escultor de seu próprio corpo. Aqui, ele apresenta um conjunto de auto-retratos.
"IDENTIDADE", de Cris Bierrenbach, Brasil (2003; 2 min. 52 seg.) A artista faz pose diante da câmera, se maquia e corta os cabelos. Seus gestos vão ficando cada vez mais violentos, sua transformação questionando a noção de identidade, a definição do belo e as normas impostas pela sociedade.
"LOVE BITES", A.P. Komen & Karen Murphy, Holanda e Islândia (1998-9; 11 min.) Como uma telenovela, este vídeo reconstitui a difícil relação amorosa de um casal. As cenas, onde o casal de artistas representa seus próprios papéis, são inspiradas em diálogos verdadeiros escritos para a televisão e diários originais escritos pelos artistas.
O tempo de duração dos vídeos é de 19`10``.
 

O conceito desta nova exposição teve seu foco na beleza da mulher afro-brasileira. Essa percepção estética é materializada a partir de retratos de mulheres negras que fazem trabalhos cotidianos diversos e que posaram pela primeira vez para um fotógrafo profissional. A beleza que transparece nas fotos documenta a força e a expressividade dessas mulheres.

Apresenta 30 fotografias e um vídeo de cinco minutos, em projeção contínua, sobre imigração italiana no Rio Grande do Sul, com ênfase nos costumes e na arquitetura.

Irmãos Vargas: fotografias do ontem ao muito além

A exposição Estúdio de Arte Irmãos Vargas – Fotografias em Arequipa, Peru – 1912/1930 especialmente produzida para A Pinacoteca do Estado de São Paulo chega ao FotoRio numa parceria que leva adiante a idéia de pensar, pesquisar, dialogar e exibir acervos de importância relevantes para o entendimento da imagem no Brasil e no exterior, justamente num momento em que nos deparamos com a fragmentação desse “modo de ver” contemporâneo, onde o jogo entre história e memória tem sido provocante e sem fim. Os irmãos Carlos e Miguel Vargas Zaconet nos trazem à luz justamente uma fotografia caríssima sobre esse tempo em memória. O Estúdio Vargas, localizado no Portal de San Agostín, em Arequipa, produziu retratos inesquecíveis e outras cenas da vida cotidiana de um povo imbuído de signos e de códigos. Foi uma época de ouro, entre o início da década de 1910 e o final dos anos 20.

Diógenes Moura
Escritor e Curador de Fotografia
da Pinacoteca do Estado de São Paulo

Tem como conceito a representação de um objeto que foi retirado do seu habitat para ser fotografado e recriado no ambiente da exposição, acompanhado dos registros fotográficos dessa ação criadora.

Vídeo feito a partir de diapositivos relativos à vida da autora, refletindo sobre a trajetória de sua família no processo de imigração da Itália para Buenos Aires, conjugando dois grupos de fotos: os diapositivos familiares feitos pelo seu próprio pai há mais de trinta anos e fotos produzidas por ela mesma.

Apresenta retratos de pessoas no estado máximo de relaxamento na vida cotidiana da Ilha Grande, litoral Rio de Janeiro.

Foi na companhia de Fulvio Roiter que a fotógrafa belga Lou Embo descobriu o Brasil. Autora de diversos livros sobre ilhas e crianças, ela recolheu, com um olhar atento e generoso, momentos que são memória e testemunho de uma relação de afeto com a vida.

Brincando com as palavras, com muitas fotos e letras de músicas,“Na Parede de Memória” é uma reflexão sobre os acontecimentos no período da ditadura militar no Brasil.
 

Um dos mais expressivos autores fotográficos no campo da arte contemporânea européia. Seu trabalho representa situações essenciais ou aspectos fundamentais da condição humana. Nesta instalação, que compreende um conjunto de oito imagens de grande formato, o tema é o entrelaçamento das diversas etnias africanas com o universo cultural europeu, e suas conseqüências, apresentado de forma a ser entendido como universal.

"Traços entalhados na luz emergem da escuridão, em uma imagem múltipla que revela só as principais caraterísticas dos rostos. A fotografia, com suas instâncias de verdade, torna-se cumplice de uma pesquisa artística que visa confundir e esconder. Antonio Biasiucci nos dá vestígios e sugestões para interpretar e comprender a matriz das imagens, porém confundindo e disfarçando a realidade das coisas. Trata-se de um estudo antropológico sobre o homem e suas muitas faces, que esconde a verdadeira natureza destes retratos. Os sujeitos, que nos aparecem como vivos e humanos graças a um uso magistral das sombras e da luz, nada mais são que moldes de gesso de rostos da África, realizados nos anos ’30 por Lidio Cipriani e conservados no Museu de Antropologia da Universidade Federico II de Nápoles. Esta descoberta incrível não impede refletir sobre a mensagem que o autor quer nos transmitir: os seres humanos em suas diferenças formam uma pluralidade de vozes e as imagens compõem quase uma dança tribal que congrega os "muitos" rostos da humanidade."

Claudia Buzzetti

Em 1957, o jovem fotógrafo italiano Fulvio Roiter desembarca no Rio de Janeiro para uma aventura transformadora. Com o apoio de Sette Câmara, então Ministro do Gabinete Civil do Presidente Juscelino Kubitschek, ele percorre o país de norte a sul durante nove meses, apresentando semanalmente na revista Manchete um Brasil insuspeitado, múltiplo, vigoroso na sua extraordinária diversidade humana.
Desse trabalho resultou um livro antológico – “Brasilien”, publicado na Alemanha em 1969 – com textos de Antonio Callado, Jorge Amado, Sérgio Buarque de Hollanda e Oscar Niemeyer. Nesta exposição vemos pela primeira vez imagens que marcaram a transformação do olhar desse grande expoente do realismo fotográfico italiano e que representam para nós um encontro do Brasil consigo mesmo.

Retratos de personalidades marcantes da música brasileira contemporânea produzido para o jornal O Globo nos últimos 5 anos.

 A inspiração está no confronto de várias idéias filosóficas e científicas sobre a dor. A dor e o seu contrário. A instalação retrata a experiência de viver um grave problema na coluna vertebral e o risco de paralisia.

Estas imagens da Etiópia evocam alguns dos problemas cruciais que a África enfrenta nos dias de hoje: o deslocamento de populações, a busca incessante de alimento, os conflitos étnicos e as lutas fratricidas com armas modernas. Os retratos de Laurent Auxietre revelam a dimensão humana da terra de origem de Lucy, o mais antigo fóssil humano de que se tem notícia, mas testemunham também a qualidade do encontro, a cumplicidade e o respeito que se criaram entre esse fotógrafo parisiense e seus modelos.

Flávio Damm fotografa exclusivamente com câmeras Leica, analógicas, em preto-e-branco, 35mm, usando luz ambiente.Sua fotografia persegue uma linha de trabalho desvinculada da reportagem, registrando cenas de gente em suas atitudes mais singelas, vendo-as de forma respeitosa, bem humorada e absolutamente impessoal.

Poetas convidados: Alice Daniel, Alexandre Blasifera, Bayard Tonelli, Cairo Trindade, Charles Teony, Dalberto Gomes, Dorly Neto, Esdras Bedai, Helen Queiroz, Igor Cotrim, Leila Oli, Luciano Frigeri, Mano Melo, Natália Parreiras, Nina Adlin, Pedro Roriz, Roberta Ditzz, Shala Andirá, Sheyla de Castilho, Thereza Christina Motta.

Esta esposição é o resultado do concurso "Prêmio Foto Web" lançado pela Aliança francesa e a Câmara de Comercio França-Brasil, com o objetivo de promover a fotografia como patrimônio visual, documental e artístico da cultura franco-brasileira, visando estimular o pensamento crítico e contemporâneo expresso por meio de imagens, além de estimular o intercâmbio cultural entre os moradores do Brasil e da França.
Com o tema CULTURAS URBANAS COMO FATOR DE INTEGRAÇÃO SOCIAL, o concurso 2010 buscava o olhar atuante no combate às diferenças sociais através da cultura e da arte.
O concurso premiou três fotógrafos: dois, um francês e um brasileiro, eleitos pelo júri oficial e o outro que foi escolhido por júri popular através de votação pelo site do concurso.
VENCEDOR BRASIL- JÚRI OFICIAL – TADEU VILANI- “ MOLDURAS”
VENCEDOR – FRANCÊS – JÚRI OFICIAL- RAED BAWAYA – “DEADLINE”
VENCEDOR BRASIL – JÚRI POPULAR – AUGUSTO PESSOA - “ CARROÇA DE MAMULENGO
O júri profissional foi composto de: Carlos Carvalho (coordenador do Festival de Fotografia de Porto Alegre), Annick Cojean (reporter no jornal Le Monde, membro do jpuri do Premio Albert Londres), Agnès de Gouvion Saint-Cyr (ex. diretora da fotografia no ministerio da cultura da França), Milton Guran (coordenador do Festival FotoRio), Evandro Teixeira (fotoreporter).
 

O Projeto Totem Art é um coletivo de artistas visuais do Rio de Janeiro
que tem como proposta desenvolver trabalhos autorais
sobre diferentes temas e buscar espaços expositivos alternativos que
possibilitem a divulgação desses trabalhos.

Totem Art foi idealizado pelos artistas Tatiana Guinle e Marcelo Carrera,
e surgiu da necessidade de encontrar um suporte
que possibilitasse a visibilidade do trabalho em espaços públicos como
livrarias, cinemas e eventos, bem como nos espaços
expositivos tradicionais, de forma flexível , móvel e compacta .

O Totem é um suporte multimídia que pode ser usado em exposições
fotográficas e também de vídeos e filmes, em 2D e 3D.
Ele é composto por uma tela de LCD com 55 polegadas, ultra fina e moderna
(em titânio escovado), e mede 1,93 m x 1,30 m, com 70 quilos.

A primeira edição do Totem traz o tema LIMITE e conta com a participação
dos seguintes artistas :
Ana Carolina Fernandes, AnaCris Loureiro, João Pacca, Juscelino Bezerra,
Maria Paula Vianna, Marcelo Carrera, Marcio Oberlaender, Marina Marchetti,
Pedro Farina, Priamo Melo,
Silvia Magalhães Pinto e Tatiana Guinle.
Os artistas abordaram o tema Limite das mais diferentes formas e estilos.
O resultado é uma exposição sensível, poética e criativa.
O formato de apresentação é 5x5 (5 fotos por artista, exibidas por 5
segundos cada uma), criando um pequeno ensaio com uma narrativa autoral
sobre o tema.

Nessa primeira edição teremos a curadoria de Milton Guran, e esse suporte
itinerante Totem Art, com o trabalho desses 12 artistas, vai percorrer
todo o circuito de aberturas das exposições
do FOTO RIO 2011.
Essa característica de mobilidade, somada a flexibilidade do suporte
para várias mídias, e ainda de criar um espaço expositivo contemporâneo
para que diversos artistas possam mostrar seu trabalho,
fazem do Totem Art uma mídia muito interessante, eficaz e dinâmica.
 

Enquanto os homens divergem sobre as medidas de preservação do meio ambiente, a Natureza segue sua luta silenciosa para manter-se viva. Fugindo à responsabilidade, incapazes de reter um ritmo de desenvolvimento inadequado à preservação do planeta, políticos e autoridades vão deixando o tempo passar.
A conscientização crescente de parcelas cada vez maiores de cidadãos, no mundo todo, não tem sido suficiente para evitar acidentes climáticos que evidenciam a ação desastrosa do homem sobre o meio. Insistir na reflexão sobre o tema continua sendo o melhor caminho para incentivar ações que enfrentem o problema.
O trabalho de Fabian tem esse propósito. Contrariando a concepção tradicional acerca da floresta, ela propõe outro olhar. Próximo, visceral e subjetivo. Transitando entre a exuberância de flores, frutos e as paisagens áridas, Fabian constrói seu discurso sem rodeios, defendendo uma aproximação afetiva como forma de conter a destruição iminente. Para isso – com a liberdade própria dos artistas – acrescenta às imagens da Amazônia algumas poucas da Mata Atlântica.
Convidada pela autora, Márcia Theóphilo, cuja obra literária é dedicada à causa ambiental, cedeu 12 de seus poemas para pontuar esse chamado à vida.
 

 A artista/fotógrafa Claudia Jaguaribe apresenta nesta exposição o trabalho Cachoeira das almas, um conjunto inédito de fotografias.
Neste novo trabalho, a artista busca explorar o potencial da fotografia em diferentes níveis de percepção, sem se ater a uma documentação tradicional. No suas imagens os planos de representação e as múltiplas perspectivas oscilam entre a visão do real e a do imaginário.

No último anos a artista vem desenvolvendo uma pesquisa que se interroga sobre o futuro do mundo natural e como seguir esta questão criando novas configurações. São trabalhos, cuja natureza é o procedimento artístico e as múltiplas possibilidades de mostrar como ‘a obra de arte é um ser de sensação’, como afirma Deleuze.

O ano de 2010 foi um ano importante para a artista. Foi vencedora do prêmio Funarte Marc Ferrez de Fotografia com o projeto O seu Caminho. Também em 2010 foi indicada ao prêmio Pictet, o mais importante prêmio dedicado à fotografia e sustentabilidade. A Maison Européenne de Photographie, maior museu de fotografia da Europa) adquiriu no início do ano três obras fotográficas de seu trabalho anterior Quando eu vi.
As fotografias adquiridas pela MEP fazem parte da grande coletiva internacional Autour de l’extrême, principal exposição do museu no mês da fotografia (Mois de La Photo) em Paris, com curadoria de Milton Guran e Jean-Luc Monterosso.
 

“Habitar é estar em casa em todas as partes” (Slogan Situacionista)
Os trabalhos da série in progress Exercícios de Arte Lúdica, composta de fotografias e vídeos e iniciada em 2005, é um desdobramento da pesquisa que a artista vem desenvolvendo sobre a noção de Tempo na imagem, desde a série Imagens Posteriores. A idéia do projeto é encontrar, em cada cidade visitada no Brasil e no Mundo, uma parcela do espaço urbano que seja ativamente usada por seus moradores em momentos de lazer, onde emoções e experiências propiciadas pelo jogo, pelo esporte e pelo simples tempo livre afloram em todo nós. Uma ode aos aparentemente “tempos-mortos”, explorados com sensibilidade por mestres do cinema como Yasugiro Ozu e Abbas Kiarostami.
O ângulo das imagens sugere um olhar voyerístico, como uma câmera de vigilância que estivesse à espreita de alguma ação proibida por parte destas pessoas. Mas aqui não é o proibido que está em jogo, o que se quer delatar, mas o deleite, o descanso, o prazer, o esporte, as pausas que homens e mulheres se permitem em meio à ditadura dos relógios cronológicos que contam as horas de trabalho e afazeres que recheiam a maior parte de nosso tempo.
Esta série se apropria do acaso como método e atualiza certas experiências artísticas como a deambulação surrealista, a deriva situacionista e o landwalk, que tinham no “andar” pelas cidades uma prática estética. Como afirma Francesco Careri no livro Walkscapes – El andar como práctica estética”, para os situacionistas, “a cidade era um jogo que podia ser utilizado para o prazer, um espaço no qual viver coletivamente e no qual experimentar comportamentos alternativos; um espaço no qual era possível perder o tempo útil com o fim de transformá-lo em um tempo lúdico-construtivo.¹” 
¹ CARERI, Francesco. Walkscapes – El andar como práctica estética. Espanha: Editorial Gustavo Gili, 2002, pág.114. Tradução minha.

Sobre e sob marmitas
 

Silencioso fotógrafo de retratos que definem para a fotografia personagens da nossa literatura, portanto, imagem + palavra, e de outras séries de interiores, natureza em festa e objetos em segundos planos como num travelling de Bergman, para quem sabe “ver”, lógico, Eduardo Simões varou o túnel da vida cotidiana para recortar sua fotografia num aspecto tão próximo quanto distante, partindo de um ponto de vista por onde o cinismo, a violência e a bandidagem nacional atualmente passam distante: aquele pequeno momento onde os operários de obras em São Paulo param para almoçar e podem perceber, nesses poucos instantes em que abrem as suas marmitas, durante um exaustivo dia de trabalho - o olhar do outro: o mesmo outro igual a ele mesmo que deve passar entre três e quatro horas dentro de um ônibus, trem, metrô, bicicleta ou a pé para chegar ao trabalho e mais três, ou quatro, ou cinco horas para chegar em casa, assim mesmo, sem ponto nem vírgula, e dizer para a mulher e, possivelmente para um rebanho de filhos, que por mais que ele queira, por mais que ele tente, o máximo de felicidade que consegue sentir é a de abrir a marmita e não ter sobre o arroz e o feijão uma esfera de ovo frito esparramado, o último estágio da falta de dinheiro. Essas pequenas/grandes fotografias – gastronomia para um dia de trabalho duro - destampam esse segredo: revelam o fotógrafo indo em busca daqueles outros, os que erguem as cidades para que nós, os outros de cá, tomemos posse delas.

Diógenes Moura
Escritor e Curador de Fotografia
 

Huang Shan ou Montanhas Amarelas, situadas ao norte da província de Anhui fazem parte das cinco montanhas sagradas da China. As trilhas que bordam a cadeia de montanhas são como escadarias intermináveis cujos degraus foram esculpidos na pedra há séculos. Pintores e poetas descrevem seus relevos e suas sublimes paisagens desde então.

Pierre-Alain Folliet descobre a fotografia aos 14 anos com a Rolleiflex de seus pais. Mais tarde e ao longo de uma estada de vários anos nos Estados Unidos, ele realizará milhares de fotos com a mítica Polaroid SX 70. Um contrato com a Polaroïd lhe possibilitará explorar esse suporte e afinará seu gosto por uma abordagem altamente espiritual da imagem. Seu trabalho tem sido exposto na Europa e nos Estados Unidos e integra várias coleções particulares. O fotógrafo é natural de Genebra, onde vive e trabalha.
 

Este jovem fotógrafo congolês é uma figura emergente no mundo da fotografia africana. Ele soube captar com sensibilidade e talento o jeito de viver da “Sociedade dos Ambientadores e das Pessoas Elegantes”. Esta tendência na moda popular, surgida no meio jovem depois das independências do Congo-Brazzaville e do Congo-Kinshasa, é uma herança direta do dandismo à Africana. Os seus adeptos se degladiam pacificamente com as grifes de roupas luxosas a fim de se destacar.

Em terras onde a liberdade de um começa onde termina a do outro, Rogério Reis com humor e sensualidade discute a indústria das indenizações por uso de imagem camuflando com tarjas coloridas pessoas nas praias do Rio. “O homem com venda nos olhos é multidão. Portanto 0800 de aquisição gratuita. Não é preciso pagar nada por esse ser humano destituído do poder de revidar o olhar, incapaz de reconhecer, produzir semelhanças e correspondências”, diz o texto qua abre a exposição.

Fábio Seixo transforma a fotografia em paisagem – é o próprio fotografar que cruza natureza e artifício, alcançando a materialidade de um terreno e, simultaneamente, de uma vista. Nesse caso, é a fotografia que ocupa o lugar da natureza: ela instaura-se como realidade física, como nosso meio geográfico, mundo que rodeia.
Trata-se de um jogo de espelhos – a fotografia da fotografia nos inclui na paisagem contemporânea: nos vemos nas outras máquinas, na luminância dos outros flashs, na fixidez das poses, nas lentes que nos apontam – estamos todos lá (naquelas fotografias), estamos todos vendo e sendo vistos nas imagens dos Jhons, Andersons, Satos, Alines, Renatos. Todos os nossos nomes estão escritos ali, anônimos nas pegadas fotográficas, nas coleções intermináveis, nas relíquias de tempo que se acumulam nessa topografia do atual.
Entre o plano e o contra-plano, entre o ver e ser visto, uma aparente banalidade das situações que, no entanto, revela o modo como tais fotografias efetivam, de fato, um novo território. Antigas vistas instantâneas são ocupadas por uma paisagem fundamentalmente autobiográfica. Os campos, os prédios, as ruínas são, nessa terra fotográfica, plantados sobre um profundo encantamento com nós mesmos. O corpo, o gesto e o estereótipo: os cartões-postais de si são as rotas e os itinerários dessa paisagem e os verdadeiros monumentos das panorâmicas do agora.
Esse é o solo e, ao mesmo tempo, a derme do Photoland.
Colocadas lado a lado, as fotografias das fotografias arquitetam um modo de existir da atualidade em que o estrangeiro não chega propriamente a se deparar com o estranho, mas reconhecer ele próprio em todos os cantos do planeta, promover o conhecido, demarcar o alisamento das diferenças. Nesse mapa-mundi da fotografia contemporânea o horizonte sem fim e infinitamente descortinável (que antes moveu viajantes e fez da fotografia um instrumento de revelação – e manutenção – do mistério) cede lugar a paisagem “foto-biográfica”. Viajar não é mais tanto desterritorializar-se, mas territorializar o mundo em eixos e orientações fotográficas.
Assim, se as vistas instantâneas modernas fundaram uma nova maneira de ver o mundo, próxima e fidedigna, o modo de fazer ver as imagens autobiográficas da atualidade instaura uma nova paisagem de mundo. Não é mais o sopro das nuvens, a luz da cidade insurgindo ou o ar dos temas pictóricos; não são as pirâmides do Egito, a Torre-Eiffel, o Coliseu, a Praça San Marco, o Buckingham Palace, o Empire State Building, mas ter estado ali o que se procura arquivar. É a produção de um cenário de presença que constitui a silhueta da paisagem autobiográfica e também uma verdadeira biografia paisagística.
Perdemos a paisagem? Ela transmutou-se em outra e comparece nesse projeto fotográfico quando o trivial do instantâneo encontra a latitude da história. Ergue-se, então, na impureza temporal das imagens: os antigos retratos de família, as imagens dos viajantes, as vistas instantâneas do século XIX, estão todas colocadas como tempos e espaços sobrepostos, como intrusões de um época em outra, ressignificadas sobre a pressão da atualidade nesse novo território, o Photoland. 
 

Setembro de 2010, Cláudia Linhares Sanz

Nessa série de fotos feitas entre 2005 e 2006, Calé procurou retratar a cultura jovem dos morros cariocas. "Toda atitude nesse ambiente é como um manifesto, uma provocação a vida do “asfalto”. A música, a dança, a amizade, a sexualidade, as armas, tudo vai de encontro a comodidade da vida que levamos."

Prazer, sou do Povo

Todo dia um acorda, outro levanta, um segue pro trabalho, outro pra escola, pra rua, pra casa. Naquilo que é considerado mais previsível, mais corriqueiro, é por onde caminham os passos dos fotógrafos populares. Revelar a beleza subestimada - escondida naquilo que está próximo - é o que legitima o prazer de viver em cada momento a graça de todo dia.

É destes milagres cotidianos que a exposição “Prazer, sou do Povo” é composta. São 19 imagens selecionadas do Banco de Imagens do Programa Imagens do Povo pelos curadores Antonio Paiva e Joana Mazza. Este recorte busca transcender a documentação, que é a principal característica do acervo do Programa, ressaltando a expressão individual de cada autor.

A mostra “Prazer, sou do Povo” será exibida a partir do dia 08 de junho no Centro Cultural Laurinda Santos Lobo, em Santa Tereza, compondo a programação do FotoRio 2011 (Encontro Internacional de Fotografia do Rio de Janeiro)
 

A exposição é composta por fotos inéditas produzidas por correspondentes e editores que se vincularam ao projeto em diferentes períodos, desde a sua fundação. Também será exposta uma seleção de vídeos curtos realizados por alunos das Oficinas de Formação de Correspondentes Multimídia, e teasers que divulgam a Revista Multimídia Viva Favela.

Todos os fotógrafos são do Rio de Janeiro e tiveram participação “presencial” no Viva Favela. Cinco dos nove fotógrafos reunidos na exposição iniciaram suas carreiras através do Viva Favela e se profissionalizaram ao longo dos anos de atuação no projeto, tendo participado de exposições, livros, e alguns recebido premiações. "Ainda que o resultado desta exposição espelhe a qualidade da formação do olhar estético e informativo de cada fotógrafo do Viva Favela, é por trás das imagens que repousa a verdadeira revolução silenciosa que este projeto propiciou: cada fotógrafo do Viva Favela tornou-se poeta", disse Patricia Gouvêa, curadora da exposição.

Inspirado nas máscaras sensoriais da artista Lygia Clark, Edu Monteiro expõe uma série de nove fotos e um vídeo com autorretratos.
O Impulso deste trabalho surge da vontade de experimentar, manusear, vestir aquele objeto de sensações e autoanálise, proposto pela artista.
O fotógrafo começa então a criar suas próprias máscaras, não só inspiradas em poéticas utilizadas por Lygia, mas também em diferentes artistas que ao longo da história da arte, marcam a sua memória - Archimboldo, Sarah Lucas, Edward Weston entre outros.
Produzindo autotransformações em vez de usar os corpos dos outros, como fazia Lygia Clark, Edu se submete a experiências semelhantes com as que Lygia trabalhava o “arquivo de memórias” dos seus pacientes: os seus medos e fragilidades, através de um processo escultórico e sensorial.
 

ESPERANDO OUTONO É UM ENSAIO FOTOGRÁFICO DE MARCIO RM REALIZADO POR BUENOS AIRES E CIDADES PRÓXIMAS COMO TIGRE E SAN ISIDRO, TODAS NA ARGENTINA.

FOI A PRIMEIRA INDIVIDUAL DE MARCIO NA QUAL O SER HUMANO NÃO É O ASSUNTO PRINCIPAL NAS SUAS FOTOS E COM TODAS AS IMAGENS PRODUZIDAS NO EXTERIOR.

ELAS FORAM FEITAS NO FINAL DE FEVEREIRO E INÍCIO DE MARÇO DESTE ANO EM DIAS DE UM BONITO CÉU, QUASE TÃO BONITO QUANTO O DE OUTONO COM SUAS CORES SATURADAS E A SUA POÉTICA LUZ.
 

O trabalho de Roberta Camargo emerge da relação entre arte e técnica. Com experiência em jornais populares de enorme circulação, e como fotógrafa de grandes cirurgiões plásticos, ela acabou desenvolvendo um olhar crítico sobre as metamorfoses, incomum no meio artístico. Ela reverte, nessas fotos do desastre de Teresópolis, no início de 2011, a feiúra em beleza e as sobras em narrativas completas.

Encontro com artista: 15 de junho de 2011, quarta-feira, às 19h

Juntaram-se o retratista Luiz Santos, o fotopintor Julio dos Santos (ou Mestre Julio,
como é conhecido) e os usuários do hospital psiquiátrico Ulysses Pernambucano.
Luiz captou os retratos, Julio os pintou e ambos, conjuntamente com os retratados,
visualizaram-nos, conversaram e decidiram mostrar. Surgiu daí o trabalho denominado
Fotopintura Contemporânea.
A centenária tradição de restaurar, pintar e recriar cenas, a partir de imagens do passado,
deu lugar a uma intervenção instantânea, em que a fotopintura é realizada quase que
imediatamente após a captura do retrato. Utilizando os mesmos princípios que o
consagraram, agora Julio recebe de Luiz um retrato original que tem autor, e o público
retratado interage, reage e opina, não desaparece deixando sua imagem.

Eu fotografo o real para criar algo que é menos real. Às vezes, é preciso apenas de uma fração de segundo para um rosto tomar forma de um alter ego latente, até então desconhecido. A vida de nossas próprias imagens nos escapa e a imagem de nossas próprias vidas não nos pertence. Minhas Heroínas são personagens em busca de autor, livres para encarnar todas as mulheres ao mesmo tempo. Simples passantes dentro de uma história e protagonistas dentro de outra, como no Rêve familier (sonho familiar) de Verlaine, elas não são nem totalmente a mesma, nem totalmente uma outra. Sou sensível a este potencial de transformação que é próprio da natureza feminina, e que repousa no lago do olhar, ao rodeio de um gesto que transcende o contexto da imagem e sua objetividade. Tenho também a convicção íntima de que é se afastando das aparências que se pode chegar à estranha verdade das coisas. No final, este é o meu desejo: o de criar imagens que contam histórias mais verdadeiras do que reais.

Essa série de retratos, apresentada aqui parcialmente, reúne imagem e texto em que o retratado também se revela pela sua fala. Para o formato final, procurei um resultado que oscilasse entre a fotografia, o jornalismo, a literatura e a história em quadrinho. A maior parte dessas fotos foi feita com um iPhone; elas receberam tratamento posterior para dar mais cor aos encontros com cada personagem.

A partir de uma referencia real que são os fenômenos espaciais conhecidos e divulgados e das imagens de guerras modernas, a série STROBO realizada a partir da simples observação da queima de fogos de artifício, é a transformação de um momento prazeroso em uma extraordinária viagem de criação ou destruição, onde cometas e suas caudas de fogo, explosões de big bangs, universo em expansão, choque de meteoros e planetas, bombas, mísseis, rastros de torpedos, são reinterpretados por um pensamento sensível, sobre a celebração e a tragédia que se inscrevem em uma trajetória de luz no céu e no infinito

BALANGANDÃS são ornamentos e amuletos usados em dias de festas.
Tornar visíveis temas fora dos grandes acontecimentos. Num deslocamento do
referente na direção de uma foto expressiva. Logo, deixar livre a imaginação,
criar um espaço poético que permite compor a realidade projetada numa parceria
com o leitor.

O foto-retrato pintado representa historicamente uma democratização na obtenção de
um auto-retrato por parte da maioria da população, no sentido de facilitar por seu baixo custo a
aquisição de uma pintura em óleo, ou pastel nos moldes acadêmicos, antes privilégio de uma
elite. No Brasil, onde este tipo de pintura continua sendo popular sobretudo no Nordeste, o
artifício da pintura manual exerce um curioso papel social, visto que a coloração manual
permite a transformação e o embelezamento da imagem. Freqüentemente, acontecem
acréscimos de elementos de prestígio como paletó, gravata, jóias, uniforme, traje de noiva, etc.
O ofício do foto-retrato pintado tornou-se hoje uma profissão rara, mas as imagens ainda
podem ser encontradas em muitos espaços domésticos do país. Esta parede expositiva faz parte
de uma ampla coleta do pesquisador de fotografia Titus Riedl.

Vemos três crianças na beira de um lago, de costas para a câmera. Entre duas meninas, um pequeno garoto se movimenta e sobe na mureta baixa do lago. Ele agora está na altura das meninas e na camisa dele está escrito 43 The King.

A série de fotografias de Ana Rodrigues, intitulada Haikai, é baseada no gênero de poesia de origem japonesa, que apresenta uma estrutura simples e concisa. Assim como na linguagem escrita que conta com três linhas, os Haikais de Ana são todos trípticos.

Flagrantes de pequenos gestos, as imagens mostradas nos levam a perceber que momentos ordinários quando retirados do fluxo do tempo podem se tornar extraordinários, sendo elevados à potência de acontecimentos. Entretanto, acontecimentos de tal sutileza que quase imperceptíveis para a maioria das pessoas. Ana olha atentamente para essas insignificâncias. Registra o detalhe, o silêncio, reduzindo a velocidade diante à correria cotidiana.

A série exposta apresenta contemplações poéticas imersas no dia-a-dia e aponta para a simplicidade e o humor delicado, tal como os poemas que privilegiam as não-ações.

Claudia Tavares
 

"Que estranhas cenas descreves e que estranhos prisioneiros. São iguais a nós”
(PLATÃO – A República).

Retratos Pintados corresponde a um ensaio sobre a identidade cabocla do Nordeste Brasileiro na sua relação com a Fotografia e o Retrato. A antiga técnica de retratação da imagem individual e/ou familiar é contada sob o ponto de vista da pintura que se dispõe a mostrar da melhor maneira as fisionomias, os traços psicológicos e os anseios dos retratados. Seja ela, uma memória individual ou recontando momentos significativos da vida familiar, sobretudo, seus rituais de passagem, por vezes até com uma certa tonalidade fictícia.
Pretende esta mostra narrar a assumida ou recriada ligação do homem com a Fotografia, por vezes sagrada, a possível inocência do olhar, a hipotética alegria, o possível amor ou a surpreendente interrogação acerca do tempo. Foi assim que entrei pelo mistério dos retratos de um povo que povoam a sua memória e nos conduzem para um plano de discussão em torno da imagem. A Fotografia nestes retratos vem perpetuar os afectos que nunca são iguais e separáveis depois de alguma vez tomarem forma. É pois um elogio à Fotografia e ao Retrato, no registo da luz e dos conceitos.

Ângela Mendes Ferreira | Portugal, 2011
 

O Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, a Petrobras e a Light apresentam a exposição “Fotografias – Coleção Joaquim Paiva”, com 134 obras, de 69 artistas estrangeiros, pertencentes à coleção Joaquim Paiva em comodato com o MAM desde 2005. A mostra marca a inclusão de 413 obras internacionais ao comodato, que já possuía aproximadamente 1090 trabalhos de artistas brasileiros, totalizando agora cerca de 1500 fotografias.

“Os Aruanãs são os nossos ancestrais imortais, que chegam nas aldeias, vindos do mato, do céu e das águas dos rios e dos lagos para conviver com os Iny, durante longas temporadas de vários meses, todos os anos. Quando estão nas aldeias, habitam o Hetokrè, a casa dos Aruanãs, no pátio dos homens, só saindo de lá para dançar ou cumprir ritos do Hetohokã ou outras festas. Os Aruanãs gostam de dançar e cantar. Dançam, regularmente, a intervalos de três ou quatro dias, em pares, entre si, ou com as ijadomã. Podem sair para dançar pela manhã, à tarde ou à noite. Há muitos tipos de Aruanãs diferentes, cada qual com suas características próprias, suas músicas e seus modos de dançar. Nós, os Iny, amamos os Aruanãs e os tratamos com cuidado, respeito e reverência. A mostra fotográfica é dedicada a eles. Nela, diversos momentos da nossa interação com os Aruanãs estão retratados.” – Texto da curadora.

Mural fotográfico composto de cerca de 30 fotos realizadas pela equipe do Projeto Iny, que integra o Programa De Documentação De Línguas E Culturas Indígenas, que prevê o fortalecimento de 20 línguas e culturas indígenas e é realizado pelo Museu do Índio/FUNAI.
As fotografias são assinadas pelo pesquisador indígena Juanahu Karajá, pela fotógrafa Mariana Maia e pela antropóloga e coordenadora do Projeto Iny, Chang Whan.

 Impressas em grandes formatos, as imagens captadas por José Caldas – fotógrafo de natureza com 20 anos de estrada e livros publicados sobre o rio São Francisco, Mata Atlântica, Serra do Cipó, Serra da Mantiqueira, entre outros –, expostas a partir do dia 19 de maio no Museu Histórico Nacional, apontam para um Brasil de paisagens múltiplas e em transformação continua, seja pela degradação do garimpo em Rondônia ou pelo ciclo natural das águas no rio Solimões. A exposição Brasil e a transformação da paisagem nos faz lembrar que a realidade sempre se transforma.

 
Com curadoria de Ângela Magalhães e Nadja Peregrino, a exposição Brasil e a transformação da paisagem leva ao público do Rio de Janeiro um recorte de 52 imagens da obra do fotógrafo sergipano José Caldas, reconhecido como um dos mais importantes documentaristas da natureza brasileira em atividade, autor de onze livros sobre temas ambientais e culturais nacionais e presidente da AFnatura – Associação Brasileira de Fotografia de Natureza.
 

 Ingresso: R$ 6,00 (seis reais). Estão isentos de pagamento (mediante comprovação): crianças até cinco anos de idade; sócios do ICOM-International Council of Museum; funcionários do IBRAM e do IPHAN; alunos e professores das escolas públicas federais, estaduais e municipais; brasileiros maiores de 65 anos; guias de turismo e estudantes de museologia. Alunos agendados da rede particular de ensino e brasileiros maiores de 60 anos e menores de 65 anos pagam a metade do valor. Aos domingos, a entrada é franca.

A exposição apresenta uma mostra do rico acervo composto por 17 mil fotografias, preservadas no Centro de Estudos e de Documentação da História Brasileira da Diretoria de Documentação da Fundação Joaquim Nabuco, órgão do MEC sediado no Recife.
Os curadores da exposição – Dra.Rita de Cássia Araújo, Diretora de Documentação da Fundação Joaquim Nabuco, Ana Maria Mauad, historiadora da Universidade Federal Fluminense, e Milton Guran, coordenador geral do FotoRio 2011 - adotaram uma abordagem que valoriza tanto a diversidade das relações sociais que compõem o retrato do Brasil de meados do XIX até as primeiras décadas do XX, quanto os diferentes suportes e técnicas fotográficas, que incluem desde as mais antigas - daguerreótipos, ambrótipos, ferrótipos e talbótipo, passando pelos consagrados carte-de-visite até as novidades do início do século XX, como a fotopintura, a cianotipia e o cartão postal.
 

O fotógrafo apresenta o resultado de 23 anos de pesquisa sobre design popular, abordagem de um dos segmentos mais expressivos e desconhecidos da cultura brasileira. Presente nas mais diversas formas de expressão da pintura popular em todo o Brasil, essa estética tão nossa, quanto ignorada, é comumente encontrada nas casas comerciais, placas e cartazes, rótulos de bebidas, carroças de ambulantes e em uma infinidade de outras maneiras. Além da exuberância das cores e da coerência entre forma e conteúdo, há que se ressaltar as particularidades lingüísticas da mesma.

Utilizo a macro-fotografia para realçar aspectos do quotidiano em eventos transitórios (como a montagem e desmontagem de feiras-livres), objetos e detalhes prosaicos da vida diária. As fotografias são coloridas, feitas com maquina digital.
Egressa das artes plásticas uso a linguagem fotográfica para criar composições abstratas, lúdicas, presentes nos acasos do real e que geram novas subjetividades.
 Maria Kikoler, nasceu em Berlim, cursou a Escola de Belas Artes de Antuérpia, Bélgica, e veio para o Brasil, onde vive e trabalha.Depois de alguns anos como artista gráfica e pintora interessou-se pelo universo da gravura e da fotografia, integrando essas experiências em exposições individuais e coletivas. Foi aluna e desenvolveu projetos em parceria com Dionísio Del Santo em serigrafia e fotogravura com Giodana Holanda. Suas pesquisas fotográficas analógicas foram expostas na galeria Funarte com o nome de “Nova Gênese – Fotografias de um Mundo Abstrato” inaugurando a sala Sérgio Milliet.

José Alvarenga vive no rio de Janeiro. É fotógrafo, professor e laboratorista em P&B. Seu trabalho está intimamente direcionado para as urbes, para o urbano. Caminha pelas ruas "anotando" tudo que interessa fotografar. Metrô, supermercados, edifícios-garagem, ruas, etc. Está atento ao cotidiano, onde pode descobrir situações inusitadas, surreais. Utiliza em seus trabalhos, equipamentos analógicos, filmes Ilford 400 ASA, e lentes de 50 mm. Trabalha com o negativo inteiro, sem cortes, onde o olho faz a edição, no momento do "click".